Cine por compasión

Memorias de un Apoto (II)

2010-09-10T19:58:00.014+02:00

Los ocho pioneros, con niños de Makeni

En la universidad de Makeni acabábabamos, por este verano, el trabajo, con una fiesta con cenas, músicas y bailes, en la misma cantina de chapa de contendedor a la que habíamos llegado tres semanas antes para tomar nuestro primer refrigerio, y donde viéramos el triunfo de la Selección Española en el Mundial de fútbol, España uno Holanda cero. Histórico. Nos pusimos de los nervios durante el partido y con el pitido final estalló la euforia ¡los negros no sabían donde meterse! La capitana de nuestra selección fue Cristina Laorden, con su perpetua sonrisa y palabra amable, supo llevar los asuntos con una cautela y paciencia infinitas. De paciencia hubo que tirar al principio, porque hasta que no tuvimos un par de reuniones al ritmo africano, esto es, con una pachorra que te mueres, no se concretaron nuestros cometidos: orientación para el orden de la biblioteca (con más de 25000 libros donados por universidades de EEUU), impartir un curso de ofimática (mi encargo hasta que nos fuimos a Kamabai) y la proyección de varios edificios del campus como un aula magna, merced a un convenio con el ayuntamiento de Las Rozas y en la que estuvo inmerso Rául. Raúl, que en su discurso de despedida ensalzó la ilusión y compromiso del personal de la universidad con su tarea, su voluntad de prosperar y pensar a lo grande con vistas a un futuro prometedor, por lo que se quedaba diez días más a su lado para terminar lo que había empezado.

Vista de la ciudad de Makeni

A pesar de los malentendidos en la biblioteca, la labor fue, en conjunto, satisfactoria, de la que destacaría la atención y avidez de los estudiantes por aprender, por pocas que sean las oportunidades que tienen. Un ejemplo que hace valorar las posibilidades que desaprovechamos en España los que estudiamos, como los que podemos hacer mucho más no queremos y los que queriendo hacer más no puden. Y es que, en el caso de las clases de informática, físicamente no podían, no tienen electricidad. En todo Makeni (como en casi toda Sierra Leona) no hay red eléctrica, y el único abastecimiento es el que proporcionan los generadores de diésel que sólo pueden estar enchufados pocas horas al día y son todos particulares. Un techo evidente para su desarrollo, hasta que no exista un tendido eléctrico que lleve luz y comunicaciones a las casas y las instituciones no se terminará la cultura de la oscuridad y del miedo. Prácticas tan aberrantes como la mutilación genital en las mujeres son muy comunes allí y profundas raíces culturales y sociales las arraigan en su tradición. Cuando puedan acceder a un mundo distinto al que aspirar y tomar como modelo a través de la televisión emprenderán los pasos para lograrlo, pero hasta entonces vivirán en sus costumbres primitivas –no siempre censurables– y no saldrán de la espiral de la mendicidad, y lo digo desde el respeto hacia el pueblo sierraleonés amigo.

Memorias de un Apoto (I)

2010-09-03T18:33:00.013+02:00

Voy a abusar un poco de mi condición de bloguero y voy a reflexionar fuera del tiesto, o sea, que mis próximas entradas no van a tratar sobre cine, sino que se van a referir a la experiencia del viaje a Sierra Leona que he tenido el privilegio de realizar en julio de 2010 con un proyecto de voluntariado de la universidad CEU San Pablo. Y aquí va la primera entrega de las “Memorias de un Apoto” (Apoto es hombre blanco en krio, la lengua mayoritaria en Sierra Leona, derivado de portuguese, siendo los portugueses los primeros blancos que llegaron a Sierra Leona en el siglo XV) en este nuevo esquema de blog que podríamos titular provisionalmente “Cine por cooperación”.

Kamabai. Etimologicamente: algo hay. Lo que no hay son palabras para describir esta maravilla, la amistad, el sufrimiento, la ayuda, el cansancio, la alegría, el sacrificio… sí, desde luego que algo hay, algo hay en Sierra Leona, algo hay en dedicar un verano a los demás, algo había en nuestros corazones a la vuelta y algo se nos quedó allí para siempre.

La gente te pregunta: “¿qué tal Sierra Leona?” y para mi sorpresa se responden a sí mismos antes de que me de tiempo a abrir la boca “Seguro que fenomenal”, “Tiene que ser una experiencia preciosa”, “Pero muy duro ver tanta pobreza”, “Yo tengo que hacer algo de eso alguna vez”. Cuando puedo explico: “Pues fuimos con el CEU, primero unos de avanzadilla el 9 de julio y luego el resto el 16. Estuvimos viviendo en Makeni, por las mañanas ayudando a las Misioneras de la Caridad, las de la Madre Teresa ¿sabes? con las tareas domésticas, las curas, las comidas, los niños… y por las tardes íbamos a la universidad y colaborábamos en varias cosas: desde organizar una biblioteca o dar un curso de informática hasta planificar nuevas contrucciones, como un aula magna, que hacía un arquitecto. Luego Gaspar, Eva, Casilda y yo nos fuimos a Kamabai, a la Misión Católica de Agustinos Recoletos en la que había un misionero navarro, José Luis Garayoa y donde estuvimos haciendo una actividad de campamento por las mañanas con niños de tres a seis años y dándoles de comer. Por las tardes o bien organizábamos partidos de fútbol con los chicos de Kamabai o íbamos a repartir ropa y comida por las aldeas al cargo de la Misión.” Pero nunca me quedo contento con el relato, una descripción escuálida para una experiencia tan inefable.

Uno de los últimos días, el obispo de Makeni, monseñor Biguzzi, celebró una Misa especial en la universidad para despedir a los voluntarios de España, o sea, nosotros. Nos invitó a abrir la mente al significado de nuestra acción, en una homilia fabulosa y de un tono muy cercano y campechano, como es él, vaya. Contaba que él mismo, cuando llegó a Makeni treinta y cinco años antes, un niño pobre que apenas tenía para comer le ofreció dos frutos y los rechazó. El niño insistió, él aceptó y aprendió una importante lección: que ese niño era un ser humano, con la dignidad para compartir lo poco que tenía, ¡quién era él para negársela! Pues a nosotros nos podía pasar lo mismo, caer en el síndrome del salvador, del que va avasallando repartiendo ayuda humanitaria sin pararse a recibir. Siempre es mayor el bien recogido que el sembrado, por paradójico que parezca, verdaderamente Dios devuelve el ciento por uno. Un cuento que yo, personalmente, habría de aplicarme, pues mi vivencia anterior en otro país subdesarrollado como es Burundi, me predispuso a creerme que ya me lo sabía todo, y hubo varios palos que me desarmaron y por los que tuve que bajar la cabeza. Claro, que resultaba difícil caer en la tentación de creernos mesías cuando te topas con el ánimo de un pueblo fuerte, decidido a mirar hacia adelante con ilusión y dejar atrás los horrores de la guerra pasada, o cuando te salen al encuentro marabuntas de niños corriendo y gritándo “Apoto! Apoto!” (hombre blanco). Basta que te coja uno la mano sonriendo para que se te caigan todas las caretas.

La última cima

2010-06-03T17:01:00.013+02:00

TÍTULO ORIGINAL: La última cima

DIRECTOR: Juan Manuel Cotelo

NACIONALIDAD: España

AÑO: 2010

DURACIÓN: 82’

El que una productora como es Infinito más uno nazca con la vocación de hablar de Dios a una sociedad adocenada, de transmitir la buena noticia del Evangelio, resulta, cuanto menos, admirable. Y cuando se atreve a realizar una película documental sobre un sacerdote ejemplar dado el desprestigio actual y la persecución mediática que están sufriendo, es muy valiente.

Juan Manuel Cotelo (Madrid, 1966) ya probó suerte con el cine hace más de diez años, con una película deliciosa, de una elegante hermosura y crudeza, El sudor de los ruiseñores. Embarcado ahora en la arriesgada empresa de capitanear Infinito más uno, asociado con Manuel de Cominges de masFamilia, se cruzó en el camino con Pablo Domínguez, sacerdote, profesor de la facultad de teología de San Dámaso, quien habría de morir pocos días después en una excursión al Moncayo, en febrero de 2009. Pablo tenía cuarenta y dos años. Cotelo se puso a investigar y, asombrado por sus cualidades humanas y espirituales, decidió meterse en líos y hacerle una película.

El documental maneja una estrategia audaz, va de lo más anecdótico, mostrando episodios cotidianos de la vida de Pablo en los que volcaba su inmenso amor hacia las personas y las cosas, hasta lo más profundo y significante, su relación con Dios y visión sobrenatural de la vida. Se agradece muchísimo la agilidad con la que se presentan las entrevistas y los cambios de escenario, sin la voz en off plomazo que suele copar los reportajes. La hace muy llevadera el contrapunto y los contrastes de opiniones, en las entrevistas hechas a pie de calle preguntando por los sacerdotes, donde hay respuestas de todo tipo. Aunque la estructura pueda ser levemente repetitiva –parece que se va a acabar en tres ocasiones– no deja por ello de ser efectiva.

Esos ochenta y dos minutos que se hacen tan breves están atravesados por la sencillez y humanidad de Pablo, una vida resumida por las personas que le conocieron en la tierra, una historia llena de ilusión y alegría, contada con humor y cariño. El título, la última cima, lo debe a su afición por la montaña, que le costaría la vida, al igual que le costó a Cristo la vida tras su última cena, en la que instituyó la Eucaristía, centro de la Misa y de la vida de oración de Pablo, que solía celebrar en sus ascensos a la montaña.

Se estrena el jueves 3 de junio en Madrid en el cine Palafox (c\ Luchana 14) y en el Dreams Palacio de Hielo (c\ Silvano 77), y en los días sucesivos en un montón de ciudades de España, la mayoría en salas que han recibido la petición de los internautas de ser emitida. Así, Sevilla, Vitoria, Granada, Barcelona, Valencia, Zaragoza… contarán con sus proyecciones. Un pequeño milagro del que es responsable una gran campaña de difusión por la red a través de facebook y el correo electrónico, y gracias a la imponente labor de su distribuidora e-Dreams Factory.

Como misión: animar, interpelar, acreditar a los sacerdotes y a la Iglesia católica, hacer reflexionar, transmitir alegría, conmover… cumplida con creces.

Más información en su página web: www.laultimacima.com.

NOTA: 8.5

Robin Hood

2010-05-14T01:49:00.008+02:00

TÍTULO ORIGINAL: Robin Hood

DIRECTOR: Ridley Scott

NACIONALIDAD: EEUU

AÑO: 2010

DURACIÓN: 140’

“Robin Hood roba la entrada a los espectadores para dárselo a los productores.” Podría rezar perfectamente un titular de periódico dado clamoroso éxito de taquilla en el que parece se va a convertir la última versión de Robin Hood, aunque ya me gustaría impedirlo.

Durante las Cruzadas en el siglo XIII, el rey Ricardo Corazón de León es muerto en batalla. Un grupo de arqueros suplanta la identidad de los caballeros portadores de la corona, asesinados en una emboscada, y vuelven a Inglaterra para entregarla al sucesor en el trono, el príncipe Juan. Entre los arqueros se encuentra nuestro Robin Hood, Robin Longstride (Russell Crowe) que se hará pasar por sir Robert Loxley, de vuelta a Nottingham fingirá ser el valiente caballero cruzado regresado de la guerra cara a la galería para que así Lady Marion (Cate Blanchett) pueda heredar las tierras a la muerte de su suegro, sir Walter Loxley (Max Von Sydow). Todo esto mientras el rey Juan estrangula a su pueblo con impuestos y los franceses amenazan con invadir… Robin tendrá que pasar a la acción de nuevo.

Ridley Scott vuelve a meterse en un proyecto de gigantescas proporciones como el que fue Gladiator y con su propio protagonista, Russell Crowe, también productor de esta. Robin Hood, a diferencia de Gladiator, una excelente película que obtuvo cinco Óscars, es tibia, aburrida e insulsa. No tiene alma, ni garra, ni pasión… ¡Ni personajes! Es apabullante la falta de caracterización y personalidad de éstos, la ausencia de arco de transformación y carisma. Si es que si no fuera por el título no se diría que Robin es el protagonista, es una película decapitada sin cabeza visible.

Otro timo como el de Alicia en el país de las maravillas de Burton, o Sherlock Holmes de Ritchie, que dicen basarse en obras clásicas o historias antiguas para contar su propia versión pervertida y manipulada, ya lo digo, si no fuese por los nombres, Robin Hood bien podría llamarse Henry Fellynor, y la película El justo, que claro, no habría tenido el tirón que tendrá, ni se podría considerar la precuela patraña de una de las leyendas más antiguas de Inglaterra. Parece que la crisis financiera galopa a la par de la crisis de ideas en las superproducciones.

Por lo menos Lady Marian y Robin Hood, Russell y Cate, pegan, los dos australianos, me gustan como pareja, aunque su historia es de lo más ñoña.

Todo y más que podría añadir viene a confirmar que cuando le sale algo bueno a Ridley Scott es de pura chiripa, que estaba mejor haciendo anuncios, y que si firmó obras maestras como Blade Runner fue de rebote y sin entender la trascendencia de lo que hacía.

Histórica, sí, pero de historia nada emocionante. Una crónica muy bien ambientada y nada sentida, que hace de Robin un pretexto para la película de aventura de época, ahogando a su director y todo su equipo en su propio ego. Definitivamente la flecha de Robin Hood no ha atravesado este corazón.

NOTA: 5

Welcome

2010-05-02T13:27:00.002+02:00

TÍTULO ORIGINAL: Welcome

DIRECTOR: Philippe Lioret

NACIONALIDAD: Francia

AÑO: 2009

DURACIÓN: 110’

Da gusto este cine que sigue cultivando los sentimientos y emociones más sinceras. Los ejes que articulan al hombre de modo más profundo y auténtico, el amor y la muerte, los motivos sinceros, primarios que mueven el mundo, confeccionan esta película francesa de Philippe Lioret.

Aunque habitualmente se vincule el cine del país vecino a un estilo de arte y ensayo, denso, sin historia ni estructura y aburrido por descontado, la calidad de sus producciones va de bien en mejor. Welcome es un ejemplo reciente de cómo contar una historia con honradez, delicadeza y sensibilidad sobre el amor sin fronteras que hace atravesar al protagonista muchas entre Iraq e Inglaterra donde vive su novia.

Cuando Bilal (Firat Ayverdi), un joven kurdo de diecisiete años, llega a Calais, el último paso para alcanzar Londres donde vive Mina (Derya Ayverdi) y le pillan escondido en un camión para pasar en ferry, no se resigna. Empieza a entrenarse en una piscina para cruzar a nado el Canal de la Mancha, y Simon (Vicent Lindon), el dueño, le ayuda y acoge en su casa, poniéndose en peligro al estar prohibido dar asilo a ilegales, mientras intenta reconquistar a su exmujer. La película está rodada con sobriedad, sin excesos, y con la contención en lo sentimental que le aleja de melodramatismos. El actor Vicent Lindon encarna perfectamente todas estas virtudes de la cinta, hace una interpretación colosal por lo realista y moderado de un personaje que atraviesa una crisis personal importante. Además de lo puro del mensaje, el amor que supera todas las barreras, de la distancia, el idioma, el tiempo, la familia… Tanto por el chico kurdo como por el profesor, quienes establecen una relación filial, de padre a hijo.

Hecha con sutileza, conmueve y conforta al espectador por su humanidad. Aparte de la carga de crítica al sistema por la marginación racial, este drama francés es principalmente una historia de superación, de amor, de amistad y de esperanza que espolea a todos los que tenemos sueños.

NOTA: 9

Alicia en el país de las maravillas

2010-04-14T00:33:00.004+02:00

TÍTULO ORIGINAL: Alice in wonderland

DIRECTOR: Tim Burton

NACIONALIDAD: EEUU

AÑO: 2010

DURACIÓN: 108’

“¿Pero qué tenemos aquí? Que uno de los directores más extravagantes y originales ha cogido una de las obras que más sugiere y encanta de la literatura infantil? ¡No me lo puedo perder!” Así razonaba antes de ir a ver la peli de Alicia en el país de las maravillas que acaba de dirigir Tim Burton. Ni las peores críticas podían prepararme para sufrir semejante decepción.

Pasemos lista: “¿juego de rol? Presente. ¿Crónicas de Narnia? Presente. ¿Andersen y Perrault? Presentes. ¿Dragones y mazmorras? Presentes. ¿Lewis Carrol? ¿Lewis Carrol? No ha venido. ¿Tim Burton? Sí, disculpe, acabo de llegar.” Y por los pelos. Porque si a algo le falta a esta versión pastiche de Alicia es eso, la esencia de los libros de Carrol Alicia en el país de las maravillas y A través del espejo, y la aportación del estilo propio de Burton, que está desconocido, demasiado plegado a las exigencias de la industria Disney, timorato en una de sus producciones más moderadas en cuanto a sello propio.

La historia se plantea como una especie de secuela en la que Alicia (Mia Wasikowska), a los diecinueve años vuelve al país de las maravillas en el que había estado de pequeña, presumiblemente viviendo lo que todos conocemos y querríamos haber visto en la película, pero no, ahora es la protagonista de un oráculo por el que tendrá que acabar con una criatura inmunda comandada por la Reina Roja (Helena Bonham Carter y mujer de Burton). Tarea en la que será ayudada por el Sombrero Loco, como no, Johnny Deep. Es inconcebible una Alicia en la que mande la lógica, y aquí, dentro sus esquemas particulares, mágicos, se impone una lógica que lastra y lleva el argumento al terreno de las novelas juveniles de fantasía tipo Eragon, esculpido a golpe de tópico. Y no es que esté mal, pero que no engañen, que lo llamen Patricia y el mundo encantado, y no la estafa que es.

Por no hablar de la música, que Danny Elfman yo creo que ya ni compone, sólo copia y pega porque la música es literalmente como la de Charlie y la fábrica de chocolate sólo que con algún coro de por medio. Por lo menos el 3D es digno de verse, encaja bien e impresiona cuando no marea. Pero lo digo y lo repito, que es un “extra” que ni convierte a una película mala en una buena ni hace mucho mejor a una que ya lo es. Para recaudar sí que es bueno, que es lo que van a conseguir con la tontería del remake de una de las cintas más fascinantes de Disney, convertido en patraña manida para tontos y sin asomo de sus creadores.

NOTA: 5

El escritor

2010-03-21T18:56:00.018+01:00

TÍTULO ORIGINAL: The Ghost Writer

DIRECTOR: Roman Polanski

NACIONALIDAD: Alemania

AÑO: 2010

DURACIÓN: 120’

El escritor fantasma o El negro debería titularse la película en español si la traducción fuera literal, pero por ser políticamente correctos se ha quedado en El escritor. Una intriga bien hecha que atrapa al espectador, más por la curiosidad que por la trascendencia de su trama, y que no se amilana con los temas de estado y política antiterrorista muy de actualidad y de gran controversia que vertebran la acción de la cinta.

La historia (basada en la novela de Robert Harris) trata de un escritor (Ewan McGregor y del que no se pronuncia el nombre) que es contratado para terminar de las memorias de un ex-primer ministro británico, Adam Lang, interpretado por Pierce Brosnan tras la extraña muerte de su predecesor. Para ello se traslada a una isla en los Estados Unidos donde vive su retiro junto a su mujer y un pequeño séquito. A medida que avance su trabajo ¿qué irá descubriendo? Pues lo típico, que no todo es lo que parece, y que hay un pastel por destapar relacionado con la gestión del terrorismo durante el mandato de Lang, con su mujer y con la CIA también.

El personaje de Brosnan aparece como un Casanova en sus años mozos y un frívolo temperamental en la madurez. Se podría sacar la comparación con Tony Blair, ex-primer ministro británico, que estuvo implicado en la Guerra de Iraq, por las referencias que aparecen en la película. Desde luego que si esa es la inspiración del papel, no sale nada bien parado al criticarse sus decisiones y ser vapuleado hasta el extremo. Pero al margen de elucubraciones, la película funciona muy bien como thriller medio político, con unos puntos de humor muy agudos al estilo british. Un argumento que, si bien puede ser un poco lineal, es efectivo porque consigue lo que se propone, sin pretensiones, no aspira a revelar las grandes conspiraciones de nuestro tiempo.

Su director, ni más ni menos que el gran Roman Polanski, fue galardonado con el Oso de Plata al mejor director en la Berlinale, festival de cine de Berlín, premio que no pudo recoger por encontrarse retenido por la policía en Suiza. De hecho casi no pudo ni acabar la película, los retoques finales tuvo que orquestarlos desde Zurich, para culminar una coproducción que cuenta con la participación de Estados Unidos, Alemania, Francia y Reino Unido.

Película entretenida, altamente recomendable, honesta, sin delirios de grandeza, con la mordacidad, ingenio y suspense bien altos.

NOTA: 7.5

Shutter Island

2010-03-20T19:18:00.003+01:00

TÍTULO ORIGINAL: Shutter Island

DIRECTOR: Martin Scorsese

NACIONALIDAD: EEUU

AÑO: 2010

DURACIÓN: 138’

La última joya del tándem Scorsese-DiCaprio es un thriller inquietante y oscuro, una figura poliédrica de muchas caras con fronteras nebulosas, en las que realidad y ficción juegan al despiste a modo de espejos enfrentados hasta el infinito reflejando un intrincado laberinto. Nada es lo que parece si partimos de la premisa argumental: una pareja de policías que son envidados a Shutter Island, un psiquiátrico de máxima seguridad aislado por el océano donde están confinados los enfermos mentales más peligrosos, y cuya tarea será investigar la desaparición de una de las pacientes.

El guión de Laeta Kalogridis (basado en la novela de Dennis Lehane) ambiguo y retorcido, va penetrando las capas de la realidad del personaje de DiCaprio, colosal, como siempre, en una interpretación orgánica y contenida, que atraviesa la pantalla y se hunde en la retina. Se respira una atmósfera onírica, por los numerosos flash-backs y sueños que trufan las pesquisas de nuestro protagonista. Ben Kingsley y Max Von Sydow contribuyen notablemente a ese ambiente enrarecido, con su aparente formalidad protocolaria de directores del manicomio. La fachada serena de un mar turbulento que se agita en las entrañas del internado.

Con sus reminiscencias al Hitchcock más psicológico y un toque de Kubrick, el montaje sin embargo adolece en ocasiones de prolongado, la recreación en alguna escena más escabrosa se me antoja gratuita. En lo que respecta a la música, hipnótica, amenazadora, arrastra inexorablemente al corazón de la isla y de la película.

NOTA: 8.5

The Lovely Bones

2010-02-12T18:45:00.006+01:00

TÍTULO ORIGINAL: The lovely bones

DIRECTOR: Peter Jackson

NACIONALIDAD: Nueva Zelanda

AÑO: 2009

DURACIÓN: 120’

The Lovely Bones es un dramón. Hasta ahí bien. Pero es que es muy sorprendente que Peter Jackson, el que hace una década dirigía la épica El señor de los anillos y hace dos era el rey del gore, se haya pasado a un cine de klínex tan sensiblero. De vuelta a su Nueva Zelanda natal, adapta la novela de Alice Sebold sobre la desaparición de una chica de en los años setenta, violada y asesinada por un vecino psicópata.

Susie Salmon (Saoirse Ronan, la niña de Expiación) tiene catorce años, una familia estupenda, sus padres son Mark Wahlberg y Rachel Weisz, su abuela Susan Sarandon y va a tener una cita con el chico que le gusta. No se puede pedir más. Pero la cosa se troncha cuando el vecino de enfrente le “invita” a ver un refugio que ha construido para que jueguen los chicos del barrio. El vecino es Stanley Tucci en una interpretación soberbia como hace con todos sus trabajos, una obra de artesanía y mimetismo casi tan obsesiva como el papel que le toca representar. Tras su muerte, la pequeña Susie seguirá presente en la vida de sus seres queridos, acompañándolos en los momentos más especiales y en sus pesquisas por averiguar qué fue lo que pasó.

A pesar del detenimiento que tiene en las escenas familiares y en la presentación de personajes, que se puede hacer un poquito lentita, se agradece la mera insinuación de las partes escabrosas, que podían haber sido muy explícitas, más aún conociendo al (ex)gordo Peter. La lástima es que, a pesar de que la historia es emocionalmente densa y muy humana, la estropean las escenas del limbo en el que se queda flotando Susie. Escenas dignas de anuncio de compresas en plan Ausonia o Evax con eslóganes del tipo “me siento bien” o “porque soy mujer” mientras aparece un mundo de colorines y fantasía que bien podría ser proyectado en 3D con el título de “El maravilloso mundo de los sueños” o algo parecido. Rompe muchísimo y resta verosimilitud a lo que es el dolor y los sentimientos de los “vivos”. Al final resulta que los momentos más interesantes e intrigantes son en los que se ve urdir al asesino sus planes, más que lo que tiene que ver con la familia, más rosita y empalagoso.

Un melodrama con tintes escatológicos, excesivamente ñoño y lacrimógeno, en el que brilla con especial intensidad Stanley Tucci, primus inter pares en un reparto de impresión. Está nominado a mejor actor secundario en los Óscars y no me extrañaría nada que se lo dieran, aunque acabo de ver que compite con Christoph Waltz, el coronel Landa de Malditos Bastardos ¡Eso son palabras mayores!

NOTA: 6

An education

2010-02-11T14:24:00.010+01:00

TÍTULO ORIGINAL: An education

DIRECTORA: Lone Scherfig

NACIONALIDAD: Reino Unido

AÑO: 2009

DURACIÓN: 95’

Ahora la directora danesa Lone Scherfig se da a un cine más convencional para contar una historia pro-feminista, sobre el dilema de la mujer entre estudiar en la universidad y el matrimonio temprano. Se aleja de películas suyas como Italiano para principiantes (de austero estilo Dogma 95) en la forma aunque no tanto en el contenido. Tan canónica resulta que ha sido nominada a mejor película, actriz y guión adaptado en los Óscars®.

Jenny (Carey Mulligan) es una destacada estudiante de dieciséis años en el Londres de los años sesenta, apasionada con las lenguas clásicas, la música y el arte. Un día, a la vuelta de un ensayo de violonchelo, conoce a David (Peter Sarsgaard) mucho mayor que ella, rico y culto, quien empieza a cortejarla. David le abre un mundo de posibilidades de vida y diversión frente a la gris perspectiva de seguir sus estudios superiores yendo a Oxford. Pronto Jenny tendrá que decidirse entre la carrera o seguir a David en sus correrías.

Ante tal disyuntiva, se dan tres posturas: la de los padres, la de David y la de la profesora de latín de Jenny. Los padres (un divertido Alfred Molina y Olivia Williams) al principio se muestran reacios a la relación de su hija, pero los encantos de David rápidamente los seducen, y por muy complacidos que estén con él, no deja de extrañar la pasividad que muestran en muchas ocasiones… en cualquier caso son como el perro que guarda la casa, basta un jugoso filete para neutralizarlos. David representa el mundo adulto, libre e independiente. Intenta epatar a la joven para que se quede con él por mucho que ello suponga aceptar condiciones que no le gusten de su nuevo novio… La profesora actúa de voz de la conciencia que le instiga a continuar sus formación y no desperdiciar su talento, pero, ¿cómo hacerle caso cuando sus propios años en Cambridge sólo han servido para acabar de profesora de bachillerato?

La ambientación es magnífica, años sesenta total, y más aún en Londres, muy reconocible por las series y películas de esos años. Los ambientes bohemios que frecuentan la pareja y sus amigos también están muy conseguidos, como de simbólico tiene el viaje a París que hacen, no en vano se trataba de la capital de la cultura y la vanguardia.

Sin embargo, el drama queda en poca cosa, blandito y algo naife, agradable de ver, con tufillo a cine de tesis. Un problema que ya está más que superado, de hecho hay más mujeres que hombres en la universidad, pero que no por ello deja de conmover sin hacer sangre.

NOTA: 7

Up in the air

2010-01-17T21:30:00.007+01:00

TÍTULO ORIGINAL: Up in the air

DIRECTOR: Jason Reitman

NACIONALIDAD: EEUU

AÑO: 2009

DURACIÓN: 109’

Up in the air, sí, y también down on Earth. El filme de George Clooney nominado a seis Globos de Oro, se balancea entre la comedia y el drama de un hombre de negocios apátrida y desarraigado que ve como los acontecimientos hacen tambalearse sus esquemas vitales.

Ryan Bingham (George Clooney) pasa la mayor parte del tiempo viajando de un punto a otro de los Estados Unidos contratado por empresas para despedir a sus empleados sin que los directivos se manchen las manos. En uno de sus viajes conocerá a Alex, asidua viajera también y con la que empieza un particular romance basado en sus coincidencias laborales. Esto justo antes de que el estilo de vida de Ryan se vea amenazado por las ideas de la nueva compañera de empresa, la joven Natalie (Anna Kendrick) que pretende instalar un sistema de despido por videoconferencia. Ryan tratará de impedirlo, y mientras duran las negociaciones burocráticas, se dedicará a ser su mentor sobre el terreno y compañero de vuelos. Entonces, recibe la noticia de que su hermana está a punto de casarse…

Me fascina el realismo con el que está contada esta historia. Rechaza la tentación de hacer del protagonista un Casanova pagado de sí mismo completamente superficial, para retratar con sinceridad a una persona que ha hecho de su trabajo su lifestyle, desapegado del mundo y la familia, y con un miedo cerval al compromiso. Un papel que pocos habrían podido encarnar como George Clooney, con su media sonrisa y mirada de seductor incorregible, no en vano en la vida real nunca se ha casado y ha andado como un verso suelto.

Es curioso como, a pesar de la inmadurez que rezuman varios de los personajes, la películas es muy madura, será por la honestidad que hay puesta en ello, sin autocomplacencias. Muy importante es la irrupción de Natalie en la vida de Ryan, una persona con valores y aspiraciones idealistas, que hará que nuestro nómada empiece a plantearse las cosas de otra forma, todo fluyendo con naturalidad gracias a un guión perfectamente engrasado.

Dadas las brutales tasas de paro que asolan medio mundo (especialmente en EEUU y en España ni te cuento), la película puede hurgar en la llaga de muchos, teniendo en cuenta que George se dedica a despedir al personal. Puede ser doblemente hiriente que para el parado medio, quien encuentra en el cine uno de los pocos ocios asequibles, le pegue esta bofetada recordándole en todo momento su situación. Prueba de que su director, Jason Reitman, no se amilana ante temas comprometidos, como ya demostró al rodar Gracias por fumar, sobre las prohibiciones del tabaco y Juno que trata sin paliativos el embarazo adolescente.

Deja regusto amargo esta delicia alejada de los prototipos enlatados de la gran industria de Hollywood, una ligera nostalgia y la satisfacción de ver buen cine.

NOTA: 9

FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de enero de 2010

Un tipo serio

2009-12-28T22:42:00.003+01:00

TÍTULO ORIGINAL: A serious man

DIRECTOR: Joel y Ethan Coen

NACIONALIDAD: EEUU

AÑO: 2009

DURACIÓN: 105’

Si les quedaba algo de esperanza por la vida y el ser humano, los Coen se han desembarazado de ella por fin, con cinismo e ironía, en una negrísima comedia cuyo título ya es una invitación a la sonrisa, porque conociendo a estos cineastas, lo último que podemos pensar es que se trate de un producto serio.

Larry Gopnick (Michael Stuhlbarg) es un judío de edad media que vive en el típico barrio residencial estadounidense de los años sesenta. Larry tratará de guardar las formas y buscarle el sentido a sus circunstancias en el momento en que su mundo alrededor empieza a desmoronarse. Resulta bastante cómica la actitud del protagonista, siempre digna afrontando los problemas que le surgen tanto en casa como en su trabajo como profesor de física: su mujer quiere divorciarse de manera amistosa, su hija no va al colegio, su hermano vive con ellos como un parásito enfermo, su hijo tiene continuos problemas en clase, un alumno trata de sobornarle para aprobar… Trata de salir de su crisis acudiendo a distintos rabinos que arrojen un poco de luz sobre su complicada y muchas veces absurda situación, pero sólo parlotean y le sueltan discursos enlatados. Una revisión de la infancia de estos hermanos Coen que crecieron en un ambiente parecido, en una comunidad judía, de la que se muestran muy descreídos. Como si la única salida fuera la resignación, la solución a una existencia desgraciada se reduce al humor y la nada. Es muy reveladora la escena en la que uno de los rabinos le cuenta la historia de una inscripción en hebreo en los dientes de un gentil, para no llegar a ninguna conclusión. No la hay. Si acaso, nos podemos remitir al principio de la peli, una especie de fábula judía como posible origen remoto supersticioso de los males de Larry. Se nota que los Coen quieren llevar al extremo su afición a los planos fijos de caretos detrás de mesas o mostradores que no pueden dar atención a las súplicas del protagonista, insensibles y caricaturizados. Me parece que incluso abusan de esas escenas, lentas y alargadas, llevadas al paroxismo, que muchas veces resultan aburridas, como el conjunto de la película, que creo que plantea dilemas religiosos localistas y sectarios, casi siempre sobre el judaísmo, poco interesantes, mal enfocados y ajenos a la conciencia del público.

En la línea hiperbólica de sus directores, los intérpretes sacan su vena más afectada para caracterizar a sus personajes, no en vano, la mayoría son desconocidos y traídos del mundo del teatro. El hermano, Arthur (Richard Kind), tiene poco papel para el buen trabajo que desempeña y el amante de la mujer, Sy (Fred Melamed) está enorme en su papel de snob tranquilo y muy considerado con Larry.

Nihilista, desconsolada e indiferente, la última de los Coen es material íntimo y personal, que hace soñar a veces con Barton Fink, sin su frescura ni historia, para preguntarse los realizadores por sus orígenes y de paso parodiarlos un poquito. Transmite desolación, especialmente ese final abierto y agobiante, tanto mejor en cuanto viene de improviso.

NOTA: 5

FECHA DE ESTRENO (España): 8 de enero de 2010